Mein Atelier ist mein kleines, aber vollständiges Königreich.
Klein an Größe, aber gefüllt mit Erlebnissen, Erinnerungen und kleinen Schätzen, die über die Jahre gesammelt wurden.
Ein Raum aus Materialien und Werkzeugen, die langsam die Spuren des Gebrauchs zeigen, aus Leder, das sich allmählich verwandelt und durch neue Farben, Texturen und Möglichkeiten ersetzt wird. Manchmal herrscht hier ein Zustand des organisierten Chaos, in dem jedes Teil seinen eigenen Platz sucht.
Alte Maschinen und neue. Die Werkzeuge des Handwerks, Pinsel, Farben und der schwache Geruch von Klebstoff. Umgeben von all dem verwandle ich einfache Lederstücke mit meinen eigenen Händen in Designobjekte.
Manchmal fühlt es sich an wie eine Erweiterung der Moldau und der Stadt Prag selbst, geformt von ihrer Atmosphäre, ihrer Geschichte und ihrem Rhythmus. Manchmal ist es für jeden offen. Andere Male wird es zu einer privaten Welt, die in Momenten tiefer Konzentration verschlossen bleibt.
Wenn es offen ist, liebe ich es, Menschen zu treffen, einen Kaffee zu teilen, Lächeln auszutauschen und den Funken der Neugier zu sehen. Jeder, der sehen möchte, wie ein Paar Schuhe oder eine Handtasche zum Leben erwacht, ist willkommen.
Der Tag beginnt damit, das Fenster zu öffnen, um die frische Luft vom Fluss hereinzulassen, meine Pflanzen zu überprüfen und dann meine erste Tasse Kaffee zuzubereiten. Dann überlege ich, wo ich anfangen soll: die Reihenfolge der Aufgaben, das Stück, an dem ich arbeiten sollte, den nächsten Schritt.
Wenn der Vortag intensive Arbeit mit sich gebracht hat, beginne ich gerne mit dem Aufräumen und Organisieren des Ateliers. Das schafft eine frische Umgebung für neue Ideen und Neuanfänge.
Es gibt immer einen Moment, um mit einem anderen Designer zu sprechen, um eine Meinung einzuholen oder einen Gedanken über das Stück zu teilen, an dem ich arbeite. Am Nachmittag beginnen meine produktivsten Stunden. Nähen, Leder schneiden, Materialien formen, bis etwa sieben oder acht Uhr abends.
Warum Leder
Es begann mit Schuhen. Heute umfasst es Taschen, Accessoires und funktionale Objekte. Doch irgendwann musste ich mich entscheiden, welchem Material ich mich widmen wollte.
Als ich anfing, mit Leder zu arbeiten, entdeckte ich, dass dieses Material mir die Freiheit gab, mich unabhängig zu entfalten, zu experimentieren und ständig neue Möglichkeiten zu erkunden. Gleichzeitig ermöglichte es mir, eine Verbindung zwischen meiner Arbeit und meiner eigenen Geschichte herzustellen.
Leder wurde mehr als nur ein Material. Es wurde eine Brücke zwischen meinem kreativen Prozess, meinem Erbe und meiner persönlichen Identität.
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Ecuador
Meine Familie arbeitet seit 1930 mit Leder.
Mein Großvater, Elio Ruiz, und Generationen vor ihm waren Sattler und Lederhandwerker in Ecuador und stellten alle möglichen Gegenstände von Hand her.
Ein Großteil dieses Wissens ging verloren, als mein Großvater starb, als ich noch sehr jung war. Aber Leder verschwand nie aus meiner Familie. Meine Mutter hielt die Geschichten am Leben, meine Tante hatte ihr eigenes Lederatelier und Geschäft, und Cotacachi, die Bergstadt, aus der meine Familie stammt, hat eine lange Tradition der Lederverarbeitung.
Die direkte Weitergabe des Handwerks mag unterbrochen worden sein, aber die Verbindung bleibt. Ich bewahre immer noch einige Werkzeuge meines Großvaters in meinem Atelier auf – kleine Amulette und eine greifbare Verbindung zu den Händen, die vor meinen damit gearbeitet haben.
Was mir beigebracht wurde
Ich lebe seit 2010 in Prag und habe hier an der Akademie der Künste, Architektur und Design bei Liběna Rochová studiert.
Eine so wichtige Persönlichkeit des tschechischen Designs als Professorin zu haben, war eine anspruchsvolle und prägende Erfahrung. Ihre Erwartungen waren extrem hoch, besonders für eine sorgfältig ausgewählte Gruppe von Studenten, und die Arbeit unter ihrer Anleitung trieb mich dazu an, mich ständig zu verbessern.
Durch sie entdeckte ich die Welt der Mode und des zeitgenössischen Designs auf einer tieferen Ebene. Ich lernte, dass jede Kreation ein gewisses Maß an Perfektion erreichen muss, während sie gleichzeitig eine persönliche Handschrift und eine unverwechselbare Identität bewahrt.
Ihr Einfluss half mir, meine Arbeit zu verfeinern, meine Designs minimalistischer, klarer und präziser zu gestalten, ohne dabei die Essenz dessen zu verlieren, was ich als Schöpferin bin.
Ich unterrichte auch, vier oder fünf Personen pro Jahr, in diesem Raum. Ich lerne von jedem von ihnen, denn jeder Mensch ist wie ein Buch voller Erfahrungen, Erinnerungen und Perspektiven.
Wofür ich plädiere
Lemaire, Issey Miyake, Maison Margiela, Loewe, Iris van Herpen, Vlastislav Hofman.
Sie haben immer nach Innovation gestrebt. Sie haben die Grenzen ihrer Materialien herausgefordert, neue Möglichkeiten ausgelotet und eine andere Vision von Luxus geschaffen, eine, die nicht nur auf Status oder Aussehen basiert, sondern auf Ideen, Handwerkskunst, Experimentierfreudigkeit und intellektueller Tiefe.
Ein großer Teil meiner eigenen Arbeit ist von der mitteleuropäischen Architektur und dem Design sowie meiner Bewunderung für den Kubismus geprägt. Inspiriert vom geometrischen Erbe des mitteleuropäischen Designs, vom tschechischen Kubismus bis zur Wiener Werkstätte.
Wie die Arbeit entsteht
Mein kreativer Prozess ist eher dem eines Bildhauers vergleichbar. Ich entdecke Formen durch das Material selbst, durch Experimente und Intuition, anstatt nur mit einer Zeichnung auf Papier zu beginnen. Die Technik wird zum Weg, durch den sich die endgültige Form offenbart.
Was mich wirklich inspiriert, ist, etwas Neues zu schaffen und dabei traditionelle Techniken als Grundlage zu respektieren und zu nutzen. Meine Leidenschaft entspringt dem Experimentieren: die Grenzen der Handwerkskunst zu erweitern, unerwartete Möglichkeiten zu entdecken und zu erleben, wie etwas Neues durch meine eigenen Hände entsteht.
Bei den Schuhen repräsentiert die Lineal einen kubistischen Ansatz, der starke geometrische Elemente, lebendige Farben und die Wiederverwendung von Materialien kombiniert. Unter meinen Taschen sticht die Fragaria durch ihren fast lebendigen Charakter hervor: organisch, ausdrucksstark und voller Bewegung. Meine Axea, mit ihrer markanten plissierten Ledertechnik, ist eine weitere Erkundung des Materials. Die Kyoto existiert seit über zehn Jahren.
Ich folge nicht dem traditionellen Modell saisonaler Kollektionen. Die meisten meiner Handtaschen sind seit über fünf Jahren Teil meines Katalogs. Neue Stücke entstehen, wenn ich eine Idee erforschen, mit einem Material experimentieren oder etwas schaffen möchte, das meiner Meinung nach existieren muss. Auf diese Weise ähnelt mein Prozess eher dem eines Künstlers als dem einer herkömmlichen Modemarke.
Jedes Stück beginnt als Papiermodell, wo Fantasie auf Realität trifft. Dann folgt ein erster Prototyp aus naturfarbenem, ungefärbtem Leder, bei dem die Struktur, die Falten und die Montagereihenfolge ausgearbeitet werden. Erst wenn das Gleichgewicht zwischen Form, Funktion und Haltbarkeit stimmt, wird ein Entwurf zu einem fertigen Stück.
Ich arbeite hauptsächlich mit italienischem vegetabil gegerbtem Rindsleder mittlerer Struktur, damit architektonische Formen ihre Gestalt behalten, während das Material seinen eigenen Charakter zeigt.
Die Komponenten werden mit professionellen wasserbasierten Klebstoffen verbunden, auf meiner Pfaff genäht oder von Hand fertiggestellt, wo es das Design erfordert. Kanten werden von Hand poliert und bemalt.
Drei bis fünf große Stücke pro Monat sind die Grenze dessen, was ich alleine herstellen kann. Ein Paar Schuhe auf Bestellung dauert mindestens einen Monat, und ich fertige ein Paar pro Monat.
Das Leder
Ich arbeite mit Cuoio di Toscana, Leder, das in der Toskana nach einer der ältesten Gerbungstraditionen hergestellt wird, die heute noch praktiziert wird. Die Häute werden langsam pflanzlich gegerbt mit Tanninen, die aus Kastanie, Mimose und Quebracho gewonnen werden – ohne Chrom oder Schwermetalle.
Die Häute sind ein Nebenprodukt der Lebensmittelindustrie, wodurch einem bestehenden Material ein neuer Zweck verliehen wird, während die Tannine aus erneuerbaren pflanzlichen Quellen stammen.
Pflanzlich gegerbtes Leder ist ein lebendiges Material. Es trägt den Duft und die Wärme seiner natürlichen Herkunft und verändert sich lange, nachdem es die Gerberei verlassen hat. Wie unsere eigene Haut speichert es Berührung, Gebrauch und Zeit und entwickelt allmählich eine Patina, die einzigartig für die Person ist, die es trägt.
Keine zwei Häute sind identisch. Farbabweichungen, Adern, Falten, kleine Flecken und Narben sind keine zu verbergenden Unvollkommenheiten, sondern Spuren der Materialgeschichte.
Sie sind es, die jedes Stück unmöglich exakt wiederholbar machen.
Was ich glaube
„Gute Designobjekte verdienen es, Teil des täglichen Lebens zu sein.“
Ich möchte, dass sich jeder, der mit meiner Arbeit in Berührung kommt, willkommen, zu Hause und wertgeschätzt fühlt. Die Gegenstände, mit denen wir täglich leben, müssen nicht aus Maschinen oder von anonymen Händen stammen. Hinter jedem Stück, das ich fertige, steht ein Mensch – jemand, der es sich ausgedacht, hergestellt und sich um jedes Detail gekümmert hat. Für mich ist diese menschliche Verbindung genauso wichtig wie der Gegenstand selbst.
Loopimals erden mich. Sie erinnern mich daran, die Rolle des Designers nicht zu ernst zu nehmen. Zu sehen, wie jemand wegen eines kleinen Leder-Tieres lächelt, kann mir manchmal mehr Befriedigung verschaffen, als ein größeres Stück zu verkaufen. In schwierigen Zeiten haben mich diese kleinen Objekte auch unterstützt – eins nach dem anderen, um meine Rechnungen zu bezahlen und weiter arbeiten zu können.
Alles, was ich erschaffe, ist letztendlich eine Hommage an Leder, ein Material, das uns seit Tausenden von Jahren begleitet. Aber jenseits von Form und Handwerkskunst denke ich immer darüber nach, wie sich ein Objekt anfühlt, wie es verwendet wird und, vielleicht am wichtigsten, ob es der Person, die damit lebt, ein wenig Freude bereiten kann.